维也纳乐派的影响

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勋伯格以前的人类音乐史是从无序到有序的发展史，其中最璀璨的一章是17世纪末以来的调性音乐。但自从第二维也纳乐派的开山人物勋伯格开始书写无调性音乐的新篇章起，人类音乐史添上了浓艳的一笔。

“调性的瓦解 ”历来被看作是19世纪末、20世纪初音乐所迈出的最重要的一步。人们往往把瓦格纳对调性的极度模糊，到斯克里亚宾的神秘和弦，到勋伯格的四度高叠置和弦和自由无调性，到十二音技法的确立，看作20世纪末音乐的思想先驱。

无调性音乐对音响的开拓和乐思的解放的功绩不容抹煞。无调性(包括自由无调性、十二音技法、整体序列、具体音乐、偶然音乐、绝大多数的电子音乐及其他)从根本上使音乐创作的思维方式彻底改观，而第二维也纳乐派则是这一“革命”的“带头人” 。

人们常说，勋伯格创立十二音技法对于20世纪音乐的最大贡献在于“不协和音的解放 ”。对平均律十二个音同等对待，从根本上改变了几百年来“以协和音为中心，不协和音必须解决到协和音”这条陈规。乔治·波尔(George Perle)和保尔·兰斯基(Paul Lansky)合作写成的《新格罗夫音乐和音乐家辞典》中指出：“勋伯格的方法的最重要的影响，也许并不在于十二音概念本身，而在于一些独特的概念，诸如排列、倒影的对称和补充，移位情况下的不变性，集合结构，闭合的系统，作为作品决定因素的相邻关系的特性，通过预先确定的运用而促成的音乐表面的移位等等。在不同的作曲家如巴托克、斯特拉斯文斯基、勋伯格、贝尔格、韦伯恩、瓦雷斯(Varase)等人的音乐中，不同程度的尖锐化，使各个概念本身，或者与许多其他概念相结合而成为焦点。从这个意义上看，序列思想的发展，可以不被看作是与以往音乐思想激进的决裂，而是与近现代音乐发展史中多种音乐思维的特别卓越的合作。”

贝尔格与韦伯恩两人同于1904年师从勋伯格，此后三人在创作生涯中组成了第一次世界大战后对音乐创作进行最为革命性变革的第二维也纳乐派。勋伯格、韦伯恩和贝尔格音乐的出现和传播，产生了50年代中最流行的音乐语言。第二维也纳乐派的序列音乐思想影响了20世纪中叶很多青年作曲家，就连斯特拉文斯基这位一直被认为是持有与勋伯格相对立的一种音乐理想的新古典主义作曲家也于1952年开始拥护和提倡序列主义，他在1952年以后的作品都属于序列音乐。斯特拉文斯基常常称赞韦伯恩的音乐，他在1958年写道：“在本世纪音乐中，我很喜欢韦伯恩两个时期的作品，即后期的器乐曲和自最初的12首作品至《三重唱》之间的一段时间的歌曲。这两个时期的作品都去掉了早期作品的那种矫揉造作的毛病，它们也许是韦伯恩作品中最有光彩的音乐……韦伯恩对我来说意味着音乐上的正义(juste de la musique) ，我毫不犹豫地置身于他那尚未成为正宗艺术的‘缪斯’的仁慈荫庇之下。 ”这一席话并非只是口头上的赞扬，事实说明，斯特拉文斯基的许多50年代的作品都受到了韦伯恩音乐的深刻影响。可见，韦伯恩在当时已成为影响如此之大的作曲家，虽然其毕生仅创作了3l首乐曲，其中最长的只有10分钟。这些乐曲在力度上大部分是极弱奏，而且在乐谱上休止符比音符还多。他的全部作品可在不足3小时内奏完。韦伯恩全部音乐的基本原则便是简洁，他以几个音开始，并以这几个音为基础构成一首乐曲。这种极端纯的观念，即把音乐简化到只剩下绝对不可缺少的东西(任何进一步的简化将会导致完全没有声音) ，代表了形成20世纪相当数量的艺术的一种倾向。而斯特拉文斯基后期序列音乐作品的最显著特点便是简短与自我限制。在这些声部与乐器不多，演奏时间约10分钟的简短作品中，所有细节都很重要，都很鲜明。斯特拉文斯基此时对强大的效果已不再感兴趣，而是使每一音符都成为必要的和不可缺少的。也许在这三位第二维也纳乐派作曲家的有生之年，他们并不曾感到自己能够在本时代的音乐上留下持久的烙印。贝尔格卒于1935年，韦伯恩卒于1945年，勋伯格卒于1951年。而在这三位作曲家辞世之后的50年代的短短几年中，他们的成就便获得了世界范围的承认。他们的音乐不但公开演出，还被录成唱片和磁带，专门分析他们作品的书也出版了，许多年长的和年轻的作曲家变成了“十二音”作曲家。第二维也纳乐派的音乐成了第二次世界大战以后音乐界第一个伟大的发现。

音乐家米尔顿·巴比特(Milton Babit)对于十二音作曲技法分析透彻，见解深刻，他通过研究，揭示了以前未被人们注意到的十二音作曲法结构上的原理和潜在功能。巴比特所有的作品几乎都是十二音音乐，他对于十二音作曲法独具匠心的运用尤为令人折服。他继承了第二维也纳乐派的主张，即：将音乐中无论大小的每一方面在众多层次上与其他各个方面联系。同时，也将他们的一些创作技法做了一些发挥，使其奠定了一种新的、含义激进而且深远的音乐语法基础。巴比特创造出了一套阐述十二音音乐的语汇，这套语汇如今被广泛采用。

古典主义音乐的音乐变革

古典主义”时期（Classicism

Ages)是指大约1750年开始至1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。

古典主义的萌芽，发生在巴洛克时代的意大利。后来由于在维也纳出现了海顿、莫扎特和贝多芬三人，借此古典主义音乐便得以形成。因此，音乐方面的“古典乐派”实际上指的是“维也纳古典乐派 ”。古典主义艺术，首先发生在文艺领域中，它以恢复希腊、罗马的古典艺术为目的，注重形式上的匀称和谐调，主要放眼于追求客观的美。文艺复兴以后在意大利兴起的主调形式的新音乐，以贵族社会为背景，在德意志和奥地利各地繁荣昌盛起来，其初期有三个主要乐派：一是以音乐大师巴赫的次子卡·菲·埃·巴赫为中心的柏林乐派；二是以约翰·施塔密茨（Johann

Stamitz，1717－1757年）为中心的曼海姆乐派。三是以瓦根扎尔及蒙恩为中心的早期维也纳乐派。

在古典派音乐中，虽然歌剧也是一个重要部分，但从整体来看，古典派音乐的特色在于器乐，特别是奏鸣曲和交响曲形式的音乐。曼海姆乐派的室内乐和交响乐不仅对维也纳乐派产生了影响，而且对波恩时代的少年贝多芬也给予了直接的影响。

奏鸣曲形式是古典乐派音乐中极有代表性的形式。那就是在呈示部中有第一、第二主题的对比，中间出现发展部，然后继以两个主题反复的再现部。曼海姆乐派当时已经具有了相当完整的这种形式。在交响乐形式中加入小步舞曲乐章的也是曼海姆乐派，在他们的交响乐配器中，木管乐器也采用了双管编制。莫扎特在自己的交响乐中加用单簧管这一乐器，也是在曼海姆听到他们的乐队的演奏之后学来的。

代表人物：

德国作曲家路德维希·凡·贝多芬（Ludwig

van

Beethoven,1770－1827）

奥地利作曲家约瑟夫·海顿(J.Joseph

Haydn,1732～1809）

奥地利作曲家沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特（Wolfgang

Amadeus

Mozart ，1756～1791）

时期发展：

当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“乐圣”贝多芬，“神童”莫扎特，以及“交响乐之父 ”之称的海顿！音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐！在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法！如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家！音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家～

因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐” 。此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。

为适应此种需要，作曲手法亦需更新，要求乐曲有更为逻辑和清晰的形式，以吸引听众的注意力和兴趣。适应这一时代形势的要求，新一代的作曲家从此兴起，其中的三巨头是海顿，莫扎特和贝多芬。这就是所谓维也纳古典乐派。

海顿、莫扎特、贝多芬三人都在十八世纪八十年代到十九世纪二十年代在维也纳活动，他们之间互有影响。他们都是运用奏鸣曲形式的大师，写出了奏鸣曲、交响曲、四重奏这类体裁的不朽佳作；他们也都致力于主题的展开以及利用调性的配置来给抽象的形式注入细致微妙的表情。

虽然三人都写过歌剧，但是真正在歌剧中留下了璀璨名篇的只有莫扎特，而且也确实没有称得上“古典主义 ”的歌剧风格存在。主要是这些大作曲家的器乐曲给了当时以及整个十九世纪以巨大影响。除了贝多芬后期的作品显得较为艰深外，这三人的作品都既深刻而又通俗易懂，这也促进了这一时期开始的音乐从此走向世界。巴赫和亨德尔的作品仍仅限于在中部德国及英国流传，而海顿的作品不仅在他受雇的贵族宅邸演奏，而且在维也纳、巴黎、伦敦都能听到；莫扎特以演奏家的身份漫游全欧，演奏他自己的作品；贝多芬的作品从1805年后也是在欧洲到处都能听到。

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